En el caso anterior de Art Detective dejamos por contar la historia de Dánae.

En la exposición, “Pasiones mitológicas”, del Museo del Prado de 2021, tuve la suerte y el privilegio de ver todas las Poesías de Tiziano, reunidas y expuestas, entre las que se encuentra el cuadro de Dánae. 

Fue absolutamente emocionante e inolvidable. Algunas piezas se volvían a ver juntas desde hacía muchos siglos. 

Los cuadros que conforman las Poesías de Tiziano son Dánae, Venus y Adonis, Perseo y Andrómeda, Diana y Acteón, Diana y Calisto y El rapto de Europa, y todos son todos encargos que Tiziano recibió entre 1553 y 1562 por parte de Felipe II de España. La temática es mitológica, inspirada en mi libro favorito, que he citado ya en otros casos de Art Detective, Metamorfosis de Ovidio.

Pero en este trabajo, el gran maestro veneciano fue más allá de lo escrito, interpretando y expresando a su manera los mitos. Poesía es el término que él mismo utilizó para definir un trabajo de libertad de expresión intelectual, sin ningún fin moralizante sino de absoluto deleite de los sentidos, del espíritu y de la mente. De esta manera se entiende que a Tiziano se le considere el poeta del arte, el escritor del lienzo y el intelectual del color.

En la colección del Museo del Prado tenemos un cuadro de Tiziano que se llama  Dánae recibiendo la lluvia de oro, que data de entre 1560 y 1565, y por mucho tiempo se había creído que esta versión era la Dánae de las Poesías de Tiziano encargadas por Felipe II. Pero no es así.

En la exposición de Pasiones Mitológicas de 2021 de Madrid, se pudieron admirar esta y otra versión de Dánae de Tiziano, que hoy en día está conservada en la colección privada de la familia Wellington.

Como decía antes, durante mucho tiempo se había creído que la Dánae madrileña había sido la primera Dánae pintada por Tiziano –y que era la “original» del conjunto pictórico de las Poesías– pero no era así, porque después se descubrió que la Dánae de Wellington era la “original”, es decir, la que correspondía a la pintada por el artista para las “Poesías”. 

Se creía también entonces que esta Dánae era la primera pintada por el artista, pero esto tampoco es así. 

Posteriormente hubo un golpe de escena extraordinario y se descubrió que la primera Dánae que fue encargada a Tiziano en la historia no fue ni la del Prado ni la de Wellington, sino una solicitada entre 1544 y 1546 por el cardenal Alessandro Farnese para representar en Dánae a su amada, Ángela (no os asustéis, que es sabido que en la época los curas no despreciaban el amor carnal). 

Esta Dánae hoy se conserva en el Museo de Capodimonte de Nápoles.

Así que Tiziano primero pintó la Dánae para Farnese y luego, casi una década después, pintaría las otras dos Dánaes, la que se encuentra en el Museo del Prado y la de Wellington. 

La Dánae de Farnese, que se encuentra en Nápoles, formando parte del patrimonio de la familia Farnese, se encontraba en Parma en tiempos de Carlos III de España ( en el siglo XVIII), cuya madre era Isabel de Farnesio (Elisabetta di Farnese). Será por voluntad de Carlos III que llegue al Museo de Capodimonte de Nápoles.

Parece que sobre este modelo Tiziano realizaría la Dánae de Felipe II y la de la colección Wellington de Londres que, como ya hemos visto, es la “original” de las Poesías de Felipe II.

Como hemos visto, este caso de Art Detective es bastante complejo, teniendo en cuenta que hay varias versiones del lienzo del pintor y, además, de que durante mucho tiempo hubo informaciones erróneas sobre ellas, pero continuemos en esta apasionante labor. 

Vamos a resolver otra curiosidad, ¿cómo viajó de España a Inglaterra?

Fernando VII de España se la regaló al duque de Wellington, pero antes de llegar a Inglaterra, el cuadro tendría una historia bastante intrincada. 

Cuando José Bonaparte, hermano de Napoleón, se fue de España –habiendo reinado entre 1808 y 1812– no se fue con las manos vacías. Eligió algunas de las obras de arte más bellas de la colección real española. 

En Vitoria, Bonaparte se enfrentó a la batalla con el duque de Wellington, aliado británico de España, que le secuestró todo cuanto poseía, para luego devolverlo a la corona española. Pero a la hora de regresar las obras españolas a la colección real, el rey Fernando VII le concedió al duque, en agradecimiento, la Dánae. Por ello, hasta el día de hoy, esta Dánae se encuentra en la colección privada de la familia Wellington.

¿Y la Dánae del Prado?

Como decía, la Dánae recibiendo la lluvia de oro del Prado data de alrededor de 1565. Llega a España gracias a Velázquez, que la adquiere durante su viaje a Italia en 1629. El cuadro se hallaba en Venecia y de allí pasó a la familia Doria de Génova, que seguramente debió de comprársela a Tiziano. Sería allí, en Génova, donde Velázquez la adquirió para Felipe IV de España (así como muchas más obras a lo largo de su viaje y su carrera).

¡Caso resuelto!

Sin embargo las tres Dánae hasta ahora citadas no son las únicas que se hallan por el mundo.

Hay una Dánae en el Kunsthistorisches Museum de Viena, que lleva la firma de Tiziano. No sabemos quién se la comisionó y hay muy pocas informaciones al respecto. Es un regalo del cardenal Montalto al emperador Rodolfo II de Praga, y hasta ahí llega la información disponible.

Además, hay otra versión de Tiziano y su taller –recordemos que los pintores famosos tenían ayudantes para poder cumplir con todos los encargos– conservada en el Museo de Hermitage que, sinceramente, no es la mejor de todas las versiones.

El rostro de Dánae tiene una expresión muy desencajada, nada que ver con la hermosura y la perfección de las demás versiones. 

Las múltiples versiones de Dánae parecen haber despertado mucho el favor, el gusto y la atención de la época y de los siglos por venir.

Hay más copias que se encuentran en Europa y Estados Unidos, atribuidas a Tiziano, a su taller, e incluso las hay anónimas. 

Pero, ¿quién es nuestra protagonista del día, Dánae? 

Según la mitología griega, Dánae es la princesa de Argos, hija de Acrisio y de Eurídice. Fue seducida por Júpiter, que se enamoró de ella y consiguió encontrarla a pesar de estar encerrada por voluntad de su padre para evitar precisamente este fatídico destino. El dios se le presentó bajo forma de monedas de oro y como lluvia, cayó en el cuerpo de la joven hermosa. 

La escena representada por Tiziano tiene una fuerte carga erótica, se quiera o no analizar el cuadro con cierta malicia. Sin embargo, la belleza de la composición y la presentación de esta mujer atrae y deja hechizado.

En todas las versiones, Dánae aparece recostada en un lecho, en el lado izquierdo del lienzo. Su cuerpo se ofrece al espectador, que goza de la vista sublime de este singular acto sexual (véase el gesto de la mano de Dánae, que abre delicadamente las piernas para favorecer al dios).

En la versión del Prado, así como la de Wellington y en la del Hermitage, aparece una mujer, vieja, de escorzo, casi dando la espalda al espectador, recogiendo las monedas de oro. La figura de la vieja ofrece la posibilidad del contrapunto entre la belleza y la fealdad, la juventud y la vejez, la inocencia y la codicia, la blancura del cuerpo de Dánae en contraposición a la piel de tez oscura de la mujer anciana. Un recurso maravilloso que el pintor veneciano nos regala, atrapándonos en la escena.

En la versión conservada y expuesta en el Museo de Capodimonte en Nápoles, Dánae aparece acompañada por un putto, un amorcillo que ocupa el lugar de la vieja mujer en las demás versiones. La presencia del amorcillo nos sugiere el acto de amor entre Júpiter y la joven, y una vez más nos invita al placer carnal. 

Tiziano seguirá esta composición de la mujer recostada, de cuerpo desnudo y sensual en otra serie de gran éxito: las Venus.

Pero la historia de las Venus de Tiziano y de sus parajes, es otro caso de Art Detective.

En el anterior capítulo de Art Detective hablamos de Felipe IV y de su refinado gusto artístico. Hoy hablaremos de cómo el vínculo de la realeza española con el pintor Diego Velazquez será el acierto más sublime de la historia del arte español y de cómo la pintura de este autor, Las Meninas, tiene unos detalles exquisitos que muy pocos realmente conocen al día de hoy.

Esta pintura se ha convertido en una de las pinturas más importantes del arte universal. El sorprendente lenguaje del cuadro, la organización del espacio y la composición y el juego de espejismo de los personajes, hacen del lienzo una obra maestra que podríamos contemplar durante horas, por eso le vamos a dedicar este texto para desmenuzarlo a detalle.

Entre las muchas técnicas modernas y únicas que utiliza Velázquez, es notorio su talento de “pintar el aire”. Esa peculiar manera de pintar la profundidad y la esencia del espacio así como la realización realista del espacio, es su firma inconfundible.

En Las Meninas, los personajes que miran fijamente al espectador se hallan en una estancia del antiguo Alcázar de Madrid, desaparecido en las llamas del incendio ocurrido en 1734, el cual inhabilitó por completo a la entonces residencia real.

La escena no solo nos transmite algo completamente nuevo: es una de las pocas veces en los lienzos realizados para Felipe IV en los que los protagonistas son los criados en primera línea y los reyes apenas esbozados en el reflejo de un espejo lejano. La escena es, además, un gran homenaje al arte debido a la presencia de muchos cuadros colgando en las paredes.

En Las Meninas, los personajes se encuentran en el conocido cuarto de los espejos del que fue el Alcázar de Madrid, el cual se intuye pudo ser taller de pintura de Velázquez.

En el cuadro, podemos ver los ventanales, el suelo, las escaleras y todo lo que decora la estancia que, en este caso, son cuadros, los cuales solían ser lo que principalmente embellecía –y muchas veces literalmente tapaba– las paredes de los salones.

De este, el lienzo más famoso de Velázquez, se ha hablado y se ha escrito mucho, así que en este caso de Art Detective me quiero centrar en algo que siempre me llamó la atención.

La parte superior del cuadro de Las Meninas está ocupado por algo que a primera vista no se percibe y se ve apenas borroso, casi negro.

Apreciamos varios cuadros enmarcados y, gracias a los estudios llevados a cabo por el Museo del Prado, se han podido identificar dos pinturas: Apolo, vencedor de Pan y Minerva y Aracne.

Ahora, me centraré en la ejecución de los lienzos, o sea en la autoría de los cuadros, y en el lugar dónde se encuentran actualmente.

El lienzo de Apolo, vencedor de Pan, parece ser una obra ejecutada por Juan Bautista Martínez del Mazo, hecho a partir de una copia de un lienzo de Jacques Jordaens que, a su vez, se inspiró en un boceto de Peter Paul Rubens.

¡Vaya!Vamos a ver quienes son estos tres pintores y qué vínculo tienen entre ellos.

El cuadro que estamos analizando, Apolo, vencedor de Pan, es uno de los cuadros realizados para decorar la Torre de la Parada, un pabellón de caza en el Palacio del Pardo de Madrid, para el rey Felipe IV de España.

Peter Paul Rubens, pintor holandés, cuya obra se puede apreciar en diferentes cortes europeas de la época –desde la española a la inglesa; desde la corte francesa hasta los señoríos y ducados italianos–, recibió el encargo de decorar la Torre de la Parada.

Rubens realizó más de 60 obras entre 1636 y 1638 para la Torre de la Parada, las cuales envió desde Amberes, todas junto con su boceto preparatorio.

Cabe destacar que el Museo del Prado posee muchos de estos bocetos entre la colección permanente –o sea las obras expuestas– y los almacenes, donde se guarda un verdadero tesoro de obras no expuestas, así como un extenso número de trabajos de Rubens.

Pero las obras que lucirían en la Torre de la Parada fueron encargadas no solo a Rubens, sino que también a otros artistas, como Jacques Jordaens, y al mismísimo Velázquez.

Jacques Jordaens, pintor flamenco, nativo de Amberes, colaborador de Rubens, trabajó desde Flandes en los encargos de la Torre de la Parada de Madrid y realizó varios que hoy se hallan en el Museo del Prado, como La caída de los Gigantes y Las bodas de Tetis y Teleo.

Cuando Rubens muere en 1640, Jordaens se ocupará de terminar algunos de los cuadros que Rubens no pudo llevar a cabo (véase por ejemplo Perseo liberando a Andrómeda).

Es aquí el estilo parecido, si bien de trazos distintivos el uno del otro.

Juan Bautista Martínez del Mazo fue pintor y discípulo de Velázquez. Será además su yerno, demostrando la gran confianza que el pintor sevillano tenía en él y su talento.

Conocemos varias de sus obras realizadas en la corte española, algunas de las cuales son copias de cuadros del propio Velázquez (véase La Infanta Doña Margarita de Austria) y de Rubens, que se le encargaban para decorar los reales sitios.

He aquí la realización del lienzo de Apolo, Vencedor de Pan presente en el cuarto de los espejos de la escena de Las Meninas, lienzo reconocido como suyo por el Museo del Prado.

¡Caso resuelto!

El tema de la obra, inspirado en uno de los episodios narrados en el libro Metamorfosis de Ovidio, narra el mito de Apolo y Pan, en el cual, los dos dioses se enfrentan en el arte de la música.

El dios Apolo, saldrá vencedor después de haber deleitado las orejas de todos al tocar “la lira, con incrustaciones de gemas y de marfil de la india” (Ovidio).

Pero el rey Midas, que estaba presente en la escena, no estaba de acuerdo con la victoria de Apolo, por lo que este, enfurecido, transformó sus orejas en orejas de burro porque “no tolera que aquellas necias orejas conserven la figura humana” (Ovidio ).

En la obra de Martínez del Mazo aparecen Apolo, coronado por Júpiter, Pan y Midas con las orejas de asno.

La composición sigue el boceto original de Rubens y, como decimos, la del lienzo realizado por Jordaens con apenas unos cambios. El boceto original se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas. El Apolo, vencedor de Pan de Martínez del Mazo está en el Museo del Prado pero no está expuesto al público.

El otro lienzo escondido en Las Meninas representa el mito de Aracne y Minerva, un tema muy desarrollado y contemplado en diferentes obras de arte. En este caso la autoría se atribuye a Rubens, en cuyo lienzo vemos a la diosa Minerva golpeando a la mortal muchacha, enfurecida por el talento y la osadía de Aracne.

La historia de Aracne y su metamorfosis han sido representadas en una obra de Velázquez que una vez más tenemos la suerte de admirar en el Museo del Prado de Madrid. Se trata de Las Hilanderas.

Pero este es otro caso de Art Detective.

En el anterior artículo dedicado a Cibeles dejamos para otro caso de Art Detective la historia de los leones que tiran del carro de la diosa.

Recordemos un poco: Cibeles es la diosa madre, la madre tierra, la diosa de la agricultura, la fecundidad, la abundancia y de todo cuanto esté vinculado con la tierra y la naturaleza. Está representada en una fuente de Paseo Del Prado, la cual es uno de los símbolos de la ciudad de Madrid más querido y más conocido. En la escultura, la diosa está sentada en un carro tirado por dos leones.

Pero ambos, antes de tener la eterna función de tirar de la diosa madre, eran dos bellísimos muchachos: una hermosa mujer y un apuesto chaval, llamados Atalanta e Hipómenes.

Atalanta era una doncella que habitaba en el bosque y a la que no le convencía para nada la idea de casarse, por lo que decidió consagrar su virginidad a la diosa Artemisa (Diana, en la mitología romana), la diosa de los bosques y la caza. Sin embargo, había muchos hombres que admiraban su belleza, lo cual le ponía los nervios de punta. Así que un día, declaró que no se casaría con nadie excepto con alguien que consiguiera ganarle en una carrera.

Esto en realidad, era algo casi imposible, debido a que Atlanta era una excelente atleta. El que ganara se casaría con ella; el que perdiera sería sacrificado y ofrecido a la diosa Artemisa.

Hipómenes, atrevido y enamorado –y bien es sabido que el amor ciega y hace posible lo imposible– se lanzó al desafío. Pero no lo hizo solo pidió (y obtuvo) el apoyo y ayuda de Afrodita, la diosa de la belleza y del amor, cuyo hijo, Cupido, es el dios absoluto que decide la suerte en el amor de todos los mortales y los dioses.

Como parte de la ayuda que la diosa aceptó ofrecer, Afrodita le entrega a Hipómenes tres manzanas de oro para que el joven, durante la carrera, distraiga a Atalanta, lanzando las joyas lo más lejos posible.

Hipómenes obedece a Afrodita. Durante la carrera, en las tres oportunidades que tiene para lograrlo, lanza las manzanas lo más lejos posible, así que Atalanta, distraída por el deslumbrante descubrimiento, se distrae y se retrasa hasta perder la carrera.

Pero el joven gana no solo la carrera sino también el corazón de Atalanta. Los dos se encontraban enamoradísimos emocional y carnalmente, y no perdían ninguna ocasión para hacer el amor. Sin embargo, hasta entonces Hipómenes se había olvidado de hacer algo… y es entonces cuando ambos jóvenes son castigados.

En la versión del libro de Ovidio, Metamorfosis, Afrodita los castiga por no haberle agradecido la ayuda y los transforma en leones.

Será Cibeles que, movida por la compasión, hará que se queden juntos tirando de su carro. Pero desafortunadamente, los dos amantes, eternamente juntos, no se pueden mirar. Cada uno está condenado a mirar del lado opuesto del ser amado, así que están juntos sin poderse ver nunca.

Pero Atalanta e Hipómenes, además de ser maravillosamente representados por Guido Reni en una de las obras más elegantes que se encuentran en el Museo del Prado, están en otros lugares de Madrid.

Casi a modo de obsesión, los madrileños los ven en todos los leones de los monumentos de la ciudad.

Los más conocidos y famosos son los leones del Congreso de los diputados de Madrid. Se dice que los dos leones que decoran la fachada principal del monumento, son los desafortunados amantes, debido a la posición de los felinos –uno mirando a la derecha y otro a la izquierda, como los dos amantes en el carro de Cibeles– y a que tienen sexo distinto. Uno de los dos no tiene atributos masculinos de reproducción.

Estos dos leones, que se encuentran al pie de la escalera del Congreso, tienen una historia tan controvertida como los dos mitológicos amantes enamorados.

En principio, ni siquiera tenían que ocupar la actual posición. Además de que se tuvieron que realizar tres veces hasta llegar a la versión que podemos admirar hoy.

El escultor Ponciano Ponzano y Gascón realizó la primera versión en yeso por falta de dinero, así que los pobres leones, en principio aclamadísimos por el pueblo madrileño, se deterioraron por la intemperie.

La segunda versión fue encargada a otro escultor, a José Bellver y Collazos, que realizó una versión en piedra que no gustó y que fue removida muy pronto. Sin embargo, se quitaron pero no destruyeron. Si queremos ver a estos dos leones, tenemos que ir a Valencia, a los jardines de Monforte.

Y el tercer intento y definitivo de esculpir estos dos leones se debe otra vez a Ponzano Ponciano.

Esta versión de los leones se puso en 1872, pero no por haber permanecido ahí se ha alejado de discusiones y fuertes debates, principalmente, porque las esculturas están hechas con los cañones de la guerra de África de 1860, y que el material provenga de la guerra, no es de buen agrado para muchos.

La inscripción del pedestal recita lo siguiente: Fundido con cañones tomados al enemigo en la guerra de África en 1860. Las esculturas se fundieron en Sevilla y los moldes se hallan en el edificio de Capitanía, en la Plaza de España de Sevilla.

Es por esta razón que los leones, de ser amantes, en la interpretación popular, pasaron a ser los grandes héroes del levantamiento del 2 de mayo de 1808: Daoiz y Velarde, ganándose el favor de todos los madrileños.

Sin embargo, ¿los dos leones tienen realmente sexo distinto? La historia es mucho más circunstancial. En realidad, en el último minuto, Ponzano se dio cuenta de que no tenía el material suficiente para realizar los testículos del león y al final este se quedó sin ellos, así que uno de los dos reluce viril y satisfecho y el otro, al parecer, tiene los testículos escondidos detrás de la cola.

Entonces, si no tienen sexo distinto, ¿son en realidad Atalanta e Hipómenes? Realmente, los leones de la fachada del Congreso no hacen alusión al mito griego de estos dos jóvenes enamorados, sino que representan una alegoría del poder político y temporal, por ello que presiden la fachada principal de las Cortes de España.

Hay otros leones, imponentes, en la escultura de Felipe IV de la Plaza de Oriente, que algunos se atreven a llamar Atalanta e Hipómenes. Sin embargo, no puede ser más falso, porque poco se parecen a la escultura original al estar recostados y porque –la razón más convincente– son cuatro, no dos. Dichos leones representan el poder del Rey Felipe IV, así como su posición a caballo.

Por cierto, la escultura que representa al rey Felipe tiene una increíble historia.

Pero este es otro caso de Art Detective.