Nel precedente caso di Art Detective abbiamo lasciato in sospeso la storia di Danae.

Nella mostra “Pasiones mitológicas”, del Museo del Prado del 2021, ho avuto la fortuna e il privilegio di vedere tutta la serie delle Poesie di Tiziano, riunite ed esposte, per la prima volta dopo secoli. Tra di esse si trovava anche il quadro di Danae.

È stato molto emozionante e indimenticabile.

I quadri che conformano le Poesie di Tiziano sono: Danae, Venere e Adone, Perseo e Andromeda, Diana e Atteone, Diana e Calisto, Il ratto di Europa. Tutti sono incarichi che Tiziano ricevette tra il 1553 e il 1562 dal re Filippo II di Spagna. Il tema è mitologico, ispirato nel mio libro preferito, che ho già citato in altri casi di Art Detective, Le Metamorfosi di Ovidio.

Ma in questocaso, il grande maestro veneziano, andò oltre lo scritto, interpretando ed esprimendo a suo modo i miti.

Poesia è il termine che egli stesso utilizzò per definire il suo lavoro, un lavoro alto, di libertà di espressione intellettuale, senza nessun fine moralizzante atto al diletto dei sensi, dello spirito e della mente. In questo modo si intende che Tiziano sia considerato e che si presenti come il poeta dell’arte, lo scrittore della tela e l’intellettuale del colore.

Nella collezione del Museo del Prado vantiamo un quadro di Tiziano che si chiama Danae che riceve la pioggia dorata, datato tra il 1560 e il 1565 che per molto tempo si è creduto essere la versione di Danae che faceva parte delle Poesie incaricate da Filippo II. Ma non è così.

Nell’esposizione “Pasiones mitológicas” del 2021 di Madrid, abbiamo potuto ammirare questa e un’altra versione della Danae di Tiziano, che oggi si conserva nella collezione privata della famiglia Wellington.

Come dicevo pocanzi, per molto tempo si è creduto che la Danae madrilena, del Museo del Prado, fosse la prima Danae dipinta da Tiziano, e quindi “l’originale” della serie delle Poesie, ma non è così. Successivamente si scoprì che la Danae di Wellington è “l’originale”, ovvero quella che appartiene alla serie delle Poesie.

Si credeva inoltre che fosse la prima in assoluto dipinta dall’artista, ma neanche in questo caso siamo nel giusto.

Colpo di scena straordinario: si scoprì che la prima, primissima Danae che Tiziano realizza fu un incarico del cardinale Alessandro Farnese, realizzata tra il 1544 e 1546. Era una rappresentazione della sua amata, Angela (i curati non hanno mai disdegnato l’amore e come è risaputo si sono più volte ad esso abbandonati).

La Danae di Farnese si conserva attualmente nel Museo di Capodimonte di Napoli.

La Danae di Napoli fa parte del patrimonio della famiglia Farnese pertanto si trovava a Parma in tempi di Carlo III di Borbone (nel XVIII secolo). La madre di Carlo III è Elisabetta di Farnese. Sarà volontà del sovrano che si sposti il quadro nel Museo di Capodimonte, da Parma a Napoli.

È quindi probabile che su questo modello Tiziano realizzi la Danae per Filippo II di Spagna, così come quella della collezione Wellington di Londra.

Questo caso di Art Detective è piuttosto intricato, soprattutto se teniamo da conto che esistono varie versioni del quadro e che inoltre per molto tempo le informazioni di cui disponevamo erano errate.

Ma continuiamo in questo appassionante storia.

Una domanda che sorge spontanea. Come è arrivata dalla Spagna all’Inghilterra la Danae?

Ferdinando VII di Spagna la regalò al duca di Wellington.

Quando Giuseppe Bonaparte, fratello di Napoleone, fu scacciato dalla Spagna, avendo regnato tra il 1808 e il 1812, non se ne andò a mani vuote. Scelse di portare con sé le opere più belle della collezione reale spagnola.

Nella città di Vitoria, nel nord della Spagna, il sovrano Giuseppe Bonaparte dovette affrontare in battaglia il duca di Wellington, alleato britannico della Spagna, che ovviamente sequestrò al francese tutto quanto avesse con sé. I beni tanto preziosi sottratti alla Spagna sarebbero rimasti in terra patria. Il re Ferdinando VII concesse tra le tante opere recuperate, la Danae al duca di Wellington, in segno di gratitudine. Ecco perché la Danae si trova oggi presso la collezione privata dell’omonima famiglia.

E la Danae del Prado?

Come ho già indicato Danae che riceve la pioggia dorata del Prado è datata tra il 1560 e il 1565. Arriverà in Spagna grazie al pittore Velázquez, che la compra durante il suo viaggio in Italia nel 1629. Il quadro che si trovava a Venezia, città di Tiziano, da lì passò alla famiglia Doria di Genova, luogo ove sicuramente sarà comprato da Velázquez per conto del re Filippo IV di Spagna, grande collezionista d’arte.

Caso risolto!

Tuttavia le tre Danae che fino ad ora ho citato non sono le uniche che si trovano per il mondo.

Esiste una Danae nel Kunsthistorisches Museum di Vienna, che porta la firma di Tiziano. Non sappiamo chi sia il committente e abbiamo poche informazioni a riguardo. Sicuramente fu un regalo del Cardinale Montalto all’imperatore Rodolfo II di Praga.

Inoltre, esiste un’ulteriore versione di Tiziano e della sua scuola, conservata nel Museo Hermitage che è, sinceramente, quella meno riuscita (da rafforzare ancora di più l’idea che non sia a pieno la mano di Tiziano che la esegue). Il viso di Danae ha un’espressione bizzarra, nulla a che fare con la bellezza e la perfezione delle altre versioni.

Le molteplici versioni di Danae sembrano avere suscitato molto successo, gusto e attenzione nell’epoca e nei secoli a venire.

Vi sono delle copie in tutta Europa e finanche negli Stati Uniti d’America. Sono da attribuire a Tiziano, alla sua scuola e ad anonimi pittori.

Ma chi è la bella protagonista di oggi, la tanto citata Danae?

Secondo la mitologia greca, Danae è la principessa d’Argo, figlia di Acrisio e di Euridice. Fu sedotta da Zeus, che se ne innamorò e riuscì a trovarla nonostante fosse rinchiusa per volontà di suo padre. Secondo il suo oracolo di nascita, ella avrebbe partorito un figlio che in futuro avrebbe ucciso Acrisio. Per evitare questo tragico destino Danae sarà rinchiusa. Tuttavia, Zeus si presenta sotto forma di monete d’oro, che come pioggia si adagiano sul leggiadro corpo della fanciulla.

La scena presentata da Tiziano ha una forte carica erotica, che si voglia o no analizzarla con un punto di malizia. La bellezza della composizione e la presentazione della donna attrae chiunque e lo lascia stregato.

In tutte le versioni, Danae è adagiata sul letto, sul lato sinistro del quadro. Il suo corpo si offre allo spettatore, che gode della vista sublime di un singolare atto sessuale (è chiaro il gesto della mano di Danae che apre delicatamente le gambe per ricevere la divina pioggia).

Nella versione del Prado, così come quella di Wellington e dell’Hermitage, appare con ella una donna, anziana, sul lato destro, di spalle allo spettatore, che raccoglie le monete d’oro. La figura anziana offre l’idea del contrappunto tra il bello e il brutto, la giovinezza e la vecchiaia, l’innocenza e l’avarizia, il candido corpo di Danae in contrapposizione alla pelle scura delle anziana signora. Un mezzo meraviglioso che il pittore veneziano ci regala, lasciandoci di stucco.

Nella versione di Capodimonte, Danae è accompagnata da un puttino, un amorino, che prende il posto della vecchia signora delle altre versioni. La presenza dell’amorino suggerisce l’atto amoroso tra Zeus e la giovine, e ci invita all’amore carnale, ancora una volta.

Tiziano seguirà questa composizione della donna distesa su un letto, del nudo e della sensualità femminile in un’altra serie di quadri.

Mi riferisco alla serie di Venere.

Ma la storia di Venere e delle differenti versioni che Tiziano eseguirà nella sua carriera è un altro caso di Art Detective.

Nel precedente capitolo di Art Detective abbiamo parlato di Filippo IV e del suo raffinato gusto artistico.

Oggi parleremo del legame della famiglia reale spagnola con il pittore Diego Velázquez, il connubio più riuscito della storia dell’arte spagnola. Il suo quadro Las Maninas pieno di dettagli è una scoperta costante per gli occhi di chi sa cercare in esso segreti ben nascosti.

Las Maninas si è trasformato in uno dei quadri più importanti dell’arte universale. Il sorprendente linguaggio del quadro, l’organizzazione dello spazio, la composizione e il gioco di proiezioni di immagini, del dentro e fuori  dei personaggi, fanno del quadro una delle opere maestre che potremmo contemplare per ore. Tra le molteplici tecniche moderne e uniche che utilizza Velázquez, è noto il suo talento di  “dipingere l’aria”. Questo peculiare modo di dipingere la profondità e l’essenza dello spazio così come la realizzazione realistica dello spazio, è la sua firma inconfondibile.

Per tutte queste ragioni il caso di oggi di Art Detective  è dedicato a Las Meninas.

Ne Las Meninas, i personaggi che guardano fissamente lo spettatore  si trovano in una stanza dell’antico Alcazar di Madrid, scomparso nelle fiamme dell’incendio del 1734, che distrusse completamente l’allora residenza reale.

La scena ci trasmette qualcosa di completamente nuovo: è una delle poche volte in cui in un quadro realizzato per il re Filippo IV i protagonisti sono la servitù, in prima linea, e i re appena accennati nel riflesso di uno specchio lontano, si trovano in secondo piano. La scena è inoltre un gran omaggio all’arte poiché la presenza di quadri nella stanza  predomina l’intero ambiente. Nel quadro,  possiamo vedere i finestroni, il pavimento, le scale e tutto quanto decora la stanza che in questo caso, sono quadri, che solevano essere la principale decorazione che copriva, letteralmente, le pareti.

Ne Las Meninas, i personaggi si trovano nella stanza degli specchi di quello che fu l’Alcazar di Madrid, che secondo alcuni sarebbe essere stato lo studio di Velázquez.

Questo è in assoluto il quadro più conosciuto e più studiato di Velázquez.

In questo caso di Art Detective mi voglio concentrare su qualcosa che mi ha sempre incuriosita.

La parte superiore del quadro de Las Meninas è occupato da qualcosa che a prima vista non si percepisce o che si vede appena, sfocato e scuro, quasi nero.

Si possono vedere dei quadri incorniciati e grazie allo studio fatto dal Museo del Prado si sono potuti identificare due di essi: Apollo vincitore di Pan e Minerva e Aracne.

Iniziamo nell’investigare l’esecuzione dei quadri ovvero, gli autori dei quadri e il luogo in cui si trovano attualmente.

Il quadro di Apollo vincitore di Pan, è un’opera eseguita da Juan Bautista Martínez del Mazo, fatto a partire da una copia di un quadro di Jacques Jordaens che a sua volta è tratto da un bozzetto di Peter Paul Rubens.

Incredibile vero?

Vediamo chi sono questi tre pittori e che legame esiste tra di essi.

Il quadro che stiamo analizzando,  Apollo vincitore di Pan, è uno dei quadri realizzati per decorare la Torre de la Parada, un padiglione di caccia del Palazzo del Buen Retiro di Madrid, del re Filippo IV di Spagna.

Peter Paul Rubens, pittore olandese, la cui opera si può apprezzare in differenti corti europee dell’epoca (dalla spagnola all’inglese, dalla francese alle signorie e ducati italiani), ricevette l’incarico di decorare la Torre de la Parada.

Rubens realizzò più di 60 opere tra il 1636 e 1638 per la Torre de la Parada, che furono inviate da Anversa, insieme ai bozzetti.

Il Museo del Prado possiede molti di questi bozzetti nella sua collezione permanente (esposti) e nei magazzini, dove sono conservati dei veri e propri tesori, di opere non esposte.

I lavori per la Torre de la Parada non saranno solo di Rubens ma si richiederà la collaborazione di altri artisti come Jacques Jordaens e dello stesso Velázquez.

Jacques Jordaens, pittore fiammingo, originario di Anversa, collaboratore di Rubens, lavorò nelle Fiandre all’incarico per la Torre de la  Parada di Madrid e realizzò vari lavori che oggi si trovano nel Museo del Pardo, come per esempio La caduta dei Giganti e Le nozze di Teti e Teleo.

Quando Rubens muore nel 1640, Jordaens si occuperà di terminare alcuni dei suoi quadri (per esempio Perseo che libera Andromeda).

Per questo lo stile è molto simile, sebbene il tratto è diverso nell’uno e nell’altro pittore.

Juan Bautista Martínez del Mazo fu discepolo di Velázquez. Sarà inoltre suo genero, dimostrando la gran fiducia che il pittore sevigliano aveva in lui e nel suo talento.

Conosciamo varie opere realizzate da lui per la corte spagnola, alcune delle quali sono delle copie dei quadri dello stesso Velázquez (esempio L’infanta Doña Margarita de Austria) e di Rubens, incarichi che riceve per decorare le differenti residenze regali.

Ecco perché realizzerà il quadro di Apollo vincitore di Pan presente  nella stanza degli specchi della scena de Las Meninas, quadro riconosciuto come suo dal Museo del Prado.

Caso risolto!

Il tema dell’opera, ispirato in uno degli episodi narrati nel libro Le metamorfosi di Ovidio, narra il mito di Apollo e Pan, nel quale gli dei si affrontano nell’arte della musica.

Il dio Apollo sarà il vincitore dopo aver dilettato le orecchie di tutti nel suonare “la lira, tempestata da gemme e avorio dell’India” (Ovidio).

Ma il re Mida, presente nella scena, non è d’accordo con la vittoria di Apollo, che, infuriato, trasforma le orecchie del re in orecchie d’asino poiché “non tollera che quelle stolte orecchie conservino le fattezze umane” (Ovidio).

Nell’opera di Martínez del Mazo appaiono Apollo, incoronato da Giove, Pan e Mida con le orecchie d’asino.

La composizione segue il bozzetto di Rubens e del quadro realizzato da Joerdens con pochi cambi.

Il bozzetto originale di Rubens si trova nel Museo Reale delle Belle Arti del Belgio a Brussels.

L’Apollo vincitore di Pan di Martínez del Mazo si trova nel Museo del Prado ma non è esposto al pubblico.

L’altro quadro nascosto ne Las Meninas rappresenta il mito di Arcane e Minerva, un tema molto trattato e contemplato in differenti opere d’arte. In questo caso la paternità del quadro si attribuisce a Rubens, nel cui quadro possiamo vedere la dea Minerva infuriata per il talento e l’ audacia della fanciulla.

La storia di Aracne e della sua metamorfosi sono state rappresentate in un quadro di Velázquez che ancora una volta abbiamo la fortuna di ammirare nel Museo del Prado di Madrid.

Si tratta del quadro di Velázquez  Las Hilanderas.

Ma questo è un altro caso di Art Detective.

Nel precedente articolo dedicato alla dea Cibele abbiamo lasciato in sospeso la storia del leoni che trainano il carro della dea.

I due leoni prima di assolvere questo compito erano due bellissimi fanciulli.

La fanciulla è Atalanta e il fanciullo è Ippomene.

Atalanta, abitante dei boschi, decide di offrire la sua verginità alla dea Artemide (Diana) dea dei boschi e della caccia. Non si sposerà con nessuno a eccezione di chi riesca a vincere una corsa con lei.

Impresa impossibile, poiché Atalanta è un’eccellente atleta. Colui che riuscirà nell’ardua impresa sarà il suo sposo; altrimenti sarà sacrificato e offerto alla dea.

Ippomene, innamorato e impavido (si sa che in amore tutto è possibile ) si lancia nell’impresa.

Non sarà da solo. Lo aiuterà la dea dell’amore e della bellezza, Afrodite, poiché suo figlio Cupido decide sulle sorti dei mortali e immortali in amore. Afrodite consegna a Ippomene dei pomi d’oro. Ippomene dovrà farne uso abilmente durante la corsa. Potrà distrarre Atalanta lanciando i pomi il più lontano possibile.

Così sarà. Ippomene nelle tre occasioni a sua disposizione lancerà i tre scintillanti oggetti in luoghi distinti. Atalanta presa dalla  bellezza e dalla avidità dell’oro si distrarrà perdendo il cammino e di conseguenza la corsa.

Ippomene è il vincitore! La corsa e il cuore di Atalanta sono suoi. I due presi da repentino e impetuoso amore non perdono occasione per abbandonarsi più volte all’amore carnale.

Saranno per questo puniti.

Nella versione de Le metamorfosi di Ovidio Afrodite li punisce per l’ingratitudine dimostrata. Saranno trasformati in leoni.

Cibele, mossa a compassione farà in modo che i due amanti stiano insieme per l’eternità. I due leoni del suo carro sono gli sfortunati fanciulli. Sfortunati perché ahimè non potranno mai più guardarsi. Ognuno di essi guarda in una direzione diversa, uno a destra l’altro a sinistra.

Atalanta e Ippomene, raffigurati nel capolavoro di Guido Reni, una delle opere più raffinate ed eleganti della collezione del Museo del Prado, si trovano in altri luoghi a Madrid.

I madrileni sembrano ossessionati dalla visione degli amanti in ogni dove. Così che molti dei “leoni” dei monumenti della città sarebbero i due amanti.

I più famosi leoni-eroi sono i leoni che decorano la facciata del Congreso de los Diputados.

Non una non due ma ben tre volte si realizzeranno delle differenti versioni.

Lo scultore Ponciano Ponzano y Gascón sarà incaricato della prima versione, realizzata in gesso, per mancanza di denaro.

La seconda versione sarà destinata a José Bellver y Collazos che ne darà una versione in pietra che non sposerà il gusto dei più. Saranno quindi rimossi.

Rimossi e conservati attualmente nei giardi di Monteforte a Valenza.

La terza versione ricade ancora su Ponciano Ponzano.

Nel 1872 saranno inaugurati non senza polemiche.

I leoni sono realizzai con i cannoni della Guerra d’Africa del 1860. L’iscrizione del piedistallo recita: Fundido con cañones tomados al enemigo en la guerra de África en 1860 (Fuso con in cannoni presi ai nemici nella guarda d’Africa del 1860).

Nell’edificio della Capitaneria di Plaza de España si Siviglia si possono vedere gli stampi originali.

Tuttavia, seppur l’ultima versione sarà quella che ancora oggi possiamo apprezzare, dovuto al materiale utilizzato e alla sua provenienza ci furono non poche polemiche.

È per questo che i due leoni da sempre considerati i due amanti del mito greco diventeranno invece gli eroi della Resistenza del 2 maggio 1808, Daoiz y Velarde, guadagnando così il consenso di tutti.

La similitudine con Atalanta e Ippomene è dovuta alla posizione dei felini. Anche nella versione “politica” guardano a destra e a sinistra.

Inoltre pare che uno dei due leoni non abbia gli attributi maschili.

A Ponzano mancò il materiale per realizzare i testicoli del leone che di conseguenza dovette farne a meno. Uno dei due ostenta i virili attributi l’altro li nasconde con la coda.

Realmente i leoni sono il simbolo universale del potere temporale ( politico), ragione per la quale sono maestosamente protagonisti dell’organo politico de Las Cortes de España.

Ci sono altri leoni, imponenti e meravigliosi, in uno dei monumenti più conosciuti della città: la statua equestre del re Filippo IV di Spagna. Molti vorrebbero vedere in essi la rappresentazione dei due amanti ancora una volta.

Nulla di più falso. I due leoni rappresentano il potere del re Filippo così come la sua posizione a cavallo.

La scultura in questione ha una storia incredibile.

Ma questo è un altro caso di Art Detective.